Redazione Liricamente, 22/12/2021

In breve:
Vi riproponiamo una nuova intervista della rubrica “Vite da cantante al tempo dei Covid” e continuiamo a raccontarvi come vivono i cantanti lirici, ma non solo, dal febbraio del 2020, cioè dal primo lockdown causato dalla pandemia da Covid19. Ho detto non solo cantanti lirici perché l'ospite di oggi è il basso Giampaolo Vessella che, però, da alcuni anni veste anche i panni di direttore del coro, infatti, per esempio dal gennaio del 2021 è il Maestro Titular, cioè ovvero il direttore del coro del Teatro Sao Carlo di Lisbona.

Vi riproponiamo una nuova intervista della rubrica “Vite da cantante al tempo dei Covid” e continuiamo a raccontarvi come vivono i cantanti lirici, ma non solo, dal febbraio del 2020, cioè dal primo lockdown causato dalla pandemia da Covid19.

Ho detto non solo cantanti lirici perché l'ospite di oggi è il basso Giampaolo Vessella che, però, da alcuni anni veste anche i panni di direttore del coro, infatti, per esempio dal gennaio del 2021 è il Maestro Titular, cioè ovvero il direttore del coro del Teatro Sao Carlo di Lisbona.

Lo ringraziamo per aver accolto il nostro invito perché sicuramente saprà darci una prospettiva di come si vive la pandemia anche all'estero, non solo a Lisbona, ma anche dalla Turchia perché nel 2020 era ad Ankara, Maestro del Coro del Teatro di Ankara.

Prima, però, di entrare nel vivo di quella che è la sua esperienza di questi due anni di pandemia, gli chiediamo di parlarci degli esordi da cantante lirico e della carriera fino ad oggi.

Ho esordito come musicista, ho studiato da ragazzino trombone a tiro e la considero un'esperienza fondamentale perché ho avuto la fortuna da giovanissimo di suonare in importanti orchestre e facevo anche del jazz e ritengo che veramente quella formazione, la disciplina dell'intonazione che richiede uno strumento come il trombone da tiro, sia stata fondamentale per tutta la mia evoluzione.

Dopo mi sono dedicato, sempre nel conservatorio di Milano, a studi di composizione. Ho iniziato a fare direzione di coro e mi sono avvicinato al canto tramite direzione di coro. Questa è una cosa che può apparire strana, nel senso che per me l'approccio alla voce è stato un approccio di tipo conoscitivo: volevo capire, per dominare lo strumento coro, volevo essere in grado di sapere utilizzare la mia voce, di capire come dare dei riferimenti ai coristi. Da lì è nato questo amore, questa ricerca e poi ho scoperto abbastanza presto di avere una voce e quindi di poter cantare. Tramite la vittoria a Spoleto, e grazie all'aiuto di un amico, che è stato citato tante volte credo durante queste interviste, mi riferisco a Daniele Rubboli, che ringrazio infinitamente, ho cominciato la carriera. Voglio essere molto onesto, molto sincero: sono quasi sempre stato nel ruolo di cantante comprimario, perché la mia voce non era né straordinariamente grande né straordinariamente bella, era una voce normalissima, però credo sia utilizzata con una certa intelligenza, oserei dire, e con una certa musicalità, cosa che mi è stata sempre riconosciuta da direttori, musicisti e colleghi. Di fatto, credo di essere sempre stato una sorta di punto di sicurezza in tutte le compagnie di ogni tipo, di ogni genere per ogni spettacolo.

Il ruolo del comprimario è un ruolo fondamentale e anche molto difficile perché comunque gli interventi devono essere precisi, perfetti, per cui non tutti possono fare i comprimari perché serve comunque una grande capacità di entrare nel personaggio nelle frasi da cantare, che non sono tantissime, ma che devono essere eseguite con precisione, capaci di rendere l'espressività, perché altrimenti cade la scena, per cui io direi che in realtà il ruolo del comprimario non è assolutamente un ruolo secondario, anzi… è un ruolo difficile e che, probabilmente, non è effettivamente da tutti.

E sicuramente il fatto che tu abbia avuto degli studi musicali precedenti e di alto livello ha contribuito al fatto che tu fossi in grado di entrare al momento giusto e anche con la personalità e il carattere giusto.

Giampaolo appunto tu hai lavorato tanto in Italia in produzioni di livello, ma anche in produzioni meno riconosciute. Tutto questo ti ha sempre consentito comunque di poter vivere della tua arte, dico bene? Quindi, come mai hai deciso di andare all'estero e di cambiare anche la professione, cioè di diventare maestro del coro? Tu avevi già esperienze in Italia in direzione di coro?

Allora guarda intanto voglio fare una chiosa a ciò che hai detto, perché mi ha fatto veramente molto piacere: le parole dette sono state mirate e profonde ed è vero: sottoscrivo tutto ciò che hai detto. Altra piccola parentesi ringrazio il cielo per aver potuto sempre lavorare tantissimo. Lo dico per le giovani generazioni: il fatto di lavorare come comprimario, in realtà, da un certo punto di vista ci permette di lavorare di più di coloro che fanno le prime parti, perché giustamente colui che canta Rigoletto ha un'usura vocale e un impegno vocale-atletico che non è paragonabile a quello che fa Monterone o Marullo, Ceprano o l'usciere di corte, tanto per citare alcuni ruoli, a volte fatti tutti in una sera nella stessa recita dal sottoscritto. Questo, però, ti consente di lavorare molto di più. Quando c'erano le famose spedizioni. tipo Il carro di Tespi, avevi la possibilità di giocare su più titoli: per esempio, se c'erano Traviata, Tosca e Il barbiere di Siviglia, il sottoscritto cantava in tutte le produzioni più ruoli, mentre chi faceva Germont faceva solo quello e quindi questo ovviamente si ripercuote anche sulla possibilità di stare sempre in palcoscenico e di poter cantare e imparare di più perché poi ognuno di noi matura in questa maniera. Inoltre, mi permetteva di guadagnare bene, ragione per cui io ripeto ringrazio il cielo perché ho sempre lavorato tanto e ho sempre potuto guadagnare il giusto. Tutto questo fino a quindici-venti anni fa. Poi le cose hanno iniziato a cambiare, almeno per me, e mi sono reso conto che in Italia i titoli erano sempre più o meno quelli, ma le produzioni hanno iniziato a ridurre il numero di recite, inoltre gli organizzatori che contattavano gli artisti proponevano dei cachet di gran lunga inferiori a quelli che si prendevano con l'incertezza del momento in cui si sarebbe stati pagati.

E' capitato che si lavorava e poi... "ok, non te li posso dare questa volta, attendo la prossima volta quando facciamo un'altra recita" oppure "guarda i soldi che devo dare per questa recita qui li mettiamo insieme a quelli del concerto".

E' evidente che se tu fai un tipo di lavoro di questo tipo per un anno non c'è nessun problema, ma se la cosa comincia a diventare costante e continua, io ho iniziato a guardarmi intorno e a valutare offerte che prima mi erano già state fatte negli anni '90, ma avevo sempre rifiutato perché non avevo bisogno, ma poi hanno iniziato a interessarmi.

La prima esperienza è stata in Brasile, nel 2010-2011, poi ho fatto un anno in Venezuela e ho ricordi bellissimi non soltanto da un punto di vista umano, ma proprio da un punto di vista artistico. Rimasi molto colpito soprattutto dal livello del livello artistico-musicale del Venezuela. Dopo di che è arrivata questa chiamata dalla Turchia e io ho accettato ben volentieri.

Deve essere onesto, ho accettato ben volentieri perché mi rendevo conto che la vita che stavo conducendo in Italia non soddisfaceva quelli che erano in miei obiettivi. Non trovavo la motivazione giusta, l'impegno giusto, che per me era fondamentale. Poi anche per una questione di sopravvivenza economica.

Che differenza c'è tra fare il cantante e il direttore del coro: due professioni sicuramente differenti.

Domanda bellissima: è sicuramente è una questione di prospettiva.

Quando sei in palcoscenico il vettore della tua energia è tutto orientato e proiettato verso il pubblico, verso la sala, verso l'uditorio.

Al contrario, quando fai maestro del coro la tua energia, la tua attenzione sempre meticolosa e spesso ai confini della mania, è orientata al gruppo all'omogeneità del balance, della qualità del suono, dell'intonazione e quindi veramente stai facendo lo stesso tipo di lavoro, ma da due prospettive totalmente diametralmente opposte.

Quello che sul palcoscenico come cantante, come artista, come solista ti permetteresti o ti devi permettere perché lo richiede l'interpretazione, la tua performance, è in realtà quello che il maestro del coro deve controllare, deve “disciplinare”.

Lo so che questa parola può sembrare antipatica, ma di fatto bisogna far confluire tutte le energie di tutti questi solisti, perché di fatto ha di fronte una massa di 60-70 persona, ad Ankara erano 91 solisti, 91 voci, 91 universi, così amo definire gli artisti del coro, e farli diventare un'unità, un organismo che respira, vive e produce musica e produce sentimento, opera in maniera unitaria.

Com'è vista l'opera lirica in un Paese anche un po' culturalmente differente come la Turchia? Abbiamo tanti punti in comune, però è evidente che la cultura di base, soprattutto musicalmente parlando, è un po' diversa: penso al modo di “sentire la musica”, loro utilizzano sonorità differenti alle nostre.

Quindi com'è stato arrivare ad Ankara, che comunque una città della Turchia, meno più spiccatamente europee e più legata alle tradizioni mediorientali?

Per noi è difficile immaginare un amore, una passione per una forma d'arte che è squisitamente nostra.

In realtà, la Turchia ha una tradizione lirica davvero importante, basti pensare che il piccolo palcoscenico di Ankara, negli anni sessanta, era definita la Piccola Scala e su quel palcoscenico si sono esibiti Pavarotti, Dimitrova, Martinucci, etc. il meglio, la crème de la crème della lirica mondiale con grandissimi direttori da tutto il mondo e con un livello artistico veramente impressionante.

Io ho sentito ho avuto la fortuna di ascoltarmi registrazioni di lavori fatti dagli anni ‘50 fino agli anni '70-‘75 con veramente performance di altissimo livello.

La Turchia viene da una civiltà totalmente diversa, con un modo anche di sentire la musica completamente differente dal nostro, perché la musica turca ha i suoi fondamenti sul quarto di tono che alle nostre orecchie viene percepito come una stonatura.

Il quarto di tono al nostro orecchio, non abituato, appare come qualcosa di impreciso, mentre per loro è un carattere veramente basilare della musica.

Nononostante, quindi, queste differenze, c'è una passione straordinaria soprattutto tra i giovani.

Non dimentichiamo che la Turchia un Paese enorme: 3-4 volte l'Italia con una densità demografica elevata e in continua espansione e qui c'è un bacino di nuovi utenti, di nuovi appassionati della lirica straordinaria e con tantissimi giovani. Nei conservatori le classi di canto sono piene di ragazzi che amano la lirica, il belcanto e sono anche dotati di ottimi strumenti, questo proprio da un punto di vista fisiologico perché hanno proprio la struttura: quella della dello strumento veramente forte, sonoro, molto risonante simile a quello dei paesi dell'Unione Sovietica o della Bulgaria.

Questa passione per la lirica è, però, mitigata dalla loro tradizione del canto popolare.

Qui consentimi di fornire un ulteriore dettaglio: c'è una grande vicinanza tra la musica popolare e la musica lirica: in realtà per loro non esiste, da un punto di vista proprio culturale, la differenza tra quello che è il linguaggio del canto aulico, del canto professionale, del canto popolare.

Tutti i grandi cantanti di musica lirica turca, a partire da Leyla Gencer che è la più conosciuta, ma ce ne sono stati altri, se non più bravi se non più bravi tecnicamente, quantomeno addirittura più formati da un punto di vista dell'artisticità, che non hanno mai rinunciato a cantare musicale popolare, assolutamente sempre, proponendola addirittura nei programmi dei concerti. Per cui tu puoi vedere il concerto di un solista il quale canta della prima parte 8-12 romanze da opere liriche famose poi nella seconda parte fa tutta una scaletta attingendo dal repertorio popolare.

Forse dovremmo imparare qualcosa anche noi perché magari riusciamo ad avvicinare anche un po' più di pubblico, perché magari appunto c'è chi dice “Oh, no, tutta lirica no”, e invece con un programma misto…

Splendida riflessione la tua, concordo appieno, anche perché in questo modo si potrebbe anche nobilitare ciò che tra gli addetti ai lavori, a volte, viene un po' “snobbato”.

C'è un repertorio veramente di genuino di canto popolare nostro italiano che potrebbe essere davvero interessante da proporre e da portare in giro con belle voci.

Andiamo, invece, in Portogallo: lì come sentono l'opera lirica, com'è considerato il lavoro dell'artista musicale? Com'è considerata la cultura? Che differenze ci sono rispetto all'Italia. Come si comportano all'estero in tempi di pandemia? Si può vivere ugualmente facendo questa professione?

Mi allaccio alla tua ultima domanda e poi vado a ritroso.

Per quanto riguarda la questione economica anche se il Portogallo ha vissuto la pandemia in forma più leggera, nulla di paragonabile a ciò che è successo in Italia, Spagna o Francia, comunque i lavoratori sono stati tutelati al massimo. Anche nei mesi in cui non si non si è lavorato, perché il teatro era chiuso, le masse artistiche hanno sempre percepito il salario normale

C'è stato un impegno importante del Governo nel sostenere l'attività del teatro. Tieni, però, presente che il Sao Carlos è l'unico teatro nazionale, fiore all'occhiello di questa nazione. E' una nazione che investe tantissimo nell'educazione musicale, nella scuola e di conseguenza nella preparazione dei musicisti e dei cantanti.

In periodo di lockdown sono stato arruolato e inserito in un progetto che prevedeva la diffusione della musica, in particolare dell'opera lirica, nelle scuole medie e superiori e la cosa funzionava così: c'erano contributi di esperti, come il sottoscritto, i vari artisti portoghesi, musicologi, musicisti, cantanti solisti, direttori d'orchestra e la partecipazione stessa dei ragazzi, i quali eseguivano brani, oppure avevano preparato degli interventi da fare sui compositori che andavano a trattare, sulle opere: una proposta formativa di livello molto alto.

Venendo alla domanda: “Com'è la situazione?” ti dico che qui siamo nella nel cuore della grande cultura, della grande tradizione europea.

Lisbona ancor oggi è molto importante e anche in passato è stata un punto importante storicamente della lirica a livello mondiale: tutti i più grandi sono stati qui e si respira quell'aria in questo splendido teatro e i migliori continuano ancora oggi a tornare, a calcare questo palcoscenico.

Perciò la qualità artistica di quello che si fa è veramente molto alta.

Naturalmente l'impegno è consequenziale e ciò che mi colpisce, ciò che veramente mi colpisce molto rispetto agli ultimi ricordi che ho dell'Italia è la gioia che si avverte nel lavorare, nel fare musica a questi livelli ed è veramente un senso di pienezza e di benessere che negli ultimi anni in Italia non avvertivo più e che mi piacerebbe tornare a sentire.

Allora noi ti invitiamo comunque a tornare, così ci porti anche tu un po' di questa gioia che hai recuperato. In questo momento appunto c'è un po' di rassegnazione, perché tante persone si sono trovate a dover cantare chiusi in una casa, in una stanza della propria casa e certamente non è la stessa cosa che cantare in un teatro. So che tu hai fatto anche delle audizioni in teatro e hai ascoltato cantanti che venivano da questo periodo di tra virgolette “di stop” e che cosa hai sentito?

Le voci ne hanno risentito di questa mancanza del teatro secondo te?

Da un esperto, quali sono le tue impressioni? Cosa ha causato anche questo lock down al di là dei problemi burocratici, sicuramente anche legati al sentimento di depressione, ma a livello vocale che impatto ha avuto il Covid?

Si, credo che sia un'indicazione preziosissima che possiamo dare a chi ci ascolta.

La sensazione che ho avuto io, ma non solo io, tutta la commissione ascoltando queste voci di artisti anche importanti arrivati da tutto il mondo perché era un concorso internazionale per un posto fisso nel nostro teatro, l'incidenza della del fatto di cantare in ambienti piccoli, si è percepita la sensazione che alle voci mancasse la portanza, cioè mancasse di cantare e all'aperto o comunque di cantare in grandi spazi, in grandi teatri, in grandi sale e perciò di dover proiettare la nostra voce in maniera generosa.

Se posso permettermi è proprio un avvertimento, un invito coloro che ci ascoltano: trovate uno spazio grande dove potete andare a cantare: fatevi amici del parroco della chiesa e andate a cantare qualche minuto in chiesa.

C'è il bisogno di liberare le nostre voci, di non chiuderle nella dimensione delle quattro mura di casa perché questo veramente si sente tantissimo.

Da Lisbona e dalla Turchia quali ricette ci suggerisci per far ripartire la cultura musicale nel nostro Paese?

Quali altri ingredienti inseriresti in questa ricetta per aiutare la cultura musicale, soprattutto dell'opera lirica in Italia?

Dobbiamo creare il pubblico dobbiamo creare. Noi artisti dobbiamo scendere dal trono su cui ci siamo idealmente posti e tornare in mezzo alla gente, in mezzo ai ragazzi, in mezzo ai giovani e creare il pubblico, che vuol dire rimettersi a fare teatro ragazzi, vuol dire andare a fare a fare opera di divulgazione nelle classi, nelle scuole, ma anche nelle associazioni di volontariato della terza età.

Dobbiamo coinvolgere le persone, ricreare il mercato, ricreare un uditorio, dobbiamo ricreare un pubblico di persone che veramente godono nel piacere di a sentirci cantare, nel vederci agire sul palcoscenico.

Altrimenti diventa un discorso autoreferenziale cioè ce la cantiamo e ce la suoniamo tra noi.

Avrei altre mille domande da farti, ma abbiamo già detto tanto.

Ti ringrazio moltissimo per la disponibilità, per la tua testimonianza perché appunto non tutti conoscono la realtà di chi fa questo lavoro e quindi ci sembra corretto darvi appunto voce darvi la possibilità di raccontare.

Nei mesi scorsi abbiamo intervistato due tuoi colleghi che conosci benissimo Gabriele Nani e Elena Serra e sicuramente attraverso loro e anche attraverso la testimonianza di altri continueremo queste interviste anche nel prossimo futuro attraverso le vostre testimonianze cerchiamo di far conoscere questa realtà che va assolutamente sostenuta e incentivata, non solo dagli enti, da chi ci governa, ma anche da noi stessi: dobbiamo imparare noi per primi a dare valore al nostro lavoro, a tutelarci e a sostenerci.

Grazie per la tua testimonianza.

Dite la vostra...